Callay Project

Cutlog 2011 & The Theatre of the World

2011-10-06T11:44:00.000-07:00

'Nathalie and Alexandre Callay present the Theatre of the World' is an exhibition born out of a meeting in Miami in 2008, of exchanges between a couple of collectors and Lydie Marchi, director of Saffir, the nomadic gallery. This meeting led to a proposition for an exhibition held last June.

At the heart of this exhibtion was the completely free hand given to the artist Thoma Ryse for the scenography but also for the propostion of two portraits of the exibition's commissioners, Nathalie and Alexandre Callay. These portraits were born out of work on the digitalisation of photos from JR's 'Inside Out' project, created using photo booths in Arles during the Recontres Photographiques. Thoma Ryse worked from these two photos to create a portrait of each of the commissioners, which he completed with a 10 point questionnaire that allowed him to define a certain part of the personality of each. Thus he gives us Nathalie Callay as a saint and Alexandre Callay under the influence of Marcel Duchamp.

These portraits are manifestos of an era which is crossing the limits imposed by the rules of the three unities (time, place and action) and which offers to each of us the chance to be a co-author in both an artistic action and more generally the author of own own lives. The end of these three unities is incarnated by the use of social networks as places of creation and artistic practice, marked by continuity and ubiquity. The real invents itself here and elsewhere, allowing art to renew itself in a post-deuchampian paradigm, where the true limit is not one of 'always more', but that which we carry within ourselves. The presentation of 'The Theatre of the World' at Cutlog is a representation of this reality under construction, where the artwork is the process and the image offered as a witness to the different stages which have been passed through.

Le théâtre du monde

2011-09-26T12:12:00.001-07:00

« Nathalie et Alexandre Callay présentent le théâtre du monde » est une exposition née d’une rencontre à Miami en 2008, d’échanges entre un couple de collectionneurs et Lydie Marchi, directrice de la galerie nomade Saffir. Cette rencontre a donné lieu à une proposition d’une carte blanche offerte au mois de juin dernier. Au sein de cette carte blanche, une seconde carte blanche a été donnée à l’artiste Thoma Ryse pour la scénographie de l’exposition mais aussi pour la proposition des deux portraits des commanditaires de cette exposition, à savoir Nathalie et Alexandre Callay. Ces portraits sont nés d’un travail à partir d’une numérisation de photos issues du projet de JR « Inside Out » réalisées au sein des photomatons se trouvant à Arles durant les Rencontres Photographiques. Thoma Ryse travailla à partir de ces deux photos pour réaliser un portrait de chacun des deux collectionneurs, qu’il a complété grâce à un questionnaire en dix points qui lui permet de définir une certaine part de la personnalité de chacun. Ainsi, il nous donne à voir Nathalie Callay en Sainte et Alexandre Callay sous le joug de Marcel Duchamp.

Ces portraits sont des manifestes d'une époque qui s'affranchit des limites imposées par la règle des trois unités (temps, lieu et action) et offre à chacun de nous la possibilité d'être co-auteur d'une action artistique et plus généralement auteur de sa vie. La fin des trois unités est incarnée par l'utilisation des réseaux sociaux comme un des lieux de création et de pratique artistique, placée sous le signe de la continuité et de l'ubiquité. Le réel qui s'invente ici et ailleurs, permet à l'art de se renouveler dans un paradigme post-duchampien où la véritable limite n'est pas celle du "toujours plus" mais celle que nous portons en nous. La présentation du "Théâtre du monde" au sein de Cultog est une représentation de cette réalité en construction où l'oeuvre est le process et l'image offerte un témoin des étapes parcourues."

The theatre of the world

2011-07-28T23:46:00.000-07:00

At the start of the 21st century, where can we find the poetry of the railways that that Emile Zola loved? Are we seeing a new post 9/11 paradigm? These two questions are essential to understanding the issues that inspired this event, beyond the friendship which we have for Lydie, for which we thank her warmly.
Artistic creation has begun to open itself up to the unknown territory represented by the new world of digital. No one can claim to fully master this universe which is in continual and even exponential expansion. Virtually infinite possibilities are open to those artists who seek to explore the horizons of these multiple universes in search of new aesthetics.

The exhibition ‘From Here On’ attempts to define the aims of these explorations, both those to come and those already underway, taking as its manifesto a text published during the 2011 Rencotres d’Arles:

"Now, we're a species of editors. We all recycle, clip and cut, remix and upload. We can make images do anything. All we need is an eye, a brain, a camera, a phone, a laptop, a scanner, a point of view. And we're not editing, we're making. We're making more than ever, because our resources are limitless and the possibilities endless. We have an Internet full of inspiration: the profound, the beautiful, the disturbing, the ridiculous, the trivial, the vernacular and the intimate. We have next-to-nothing cameras that record the lightest light, the darkest dark. The technological potential has creative consequences. It changes our sense of what it means to make. It results in work that feel like play, works that turn old into new, elevates the banal. Work that has a past but feels absolutely present. We want to give this work a new status. Things will be different from here on..."

This truly modern manifesto clearly highlights the issues at stake in this exhibition. Things really are going to be different from now on. It is now in fact a few years since the birth of this new art, which is breaking down the false boundaries that have been in place since the industrial revolution and since the first days of the internet… The exhibition by Saffir in the Galerie Nomade is another example of this phenomenon that has certainly not waited for any introduction to make its presence felt.

These practices which place the author / spectator / consumer at the centre of a world, their own, which they construct to inhabit, discover, understand and live with, also place every person that wishes it at the centre of a possibility: that of co-creation. There are no longer any technical or financial impossibilities preventing the creative mind from reaching its full potential. We have almost infinite resources at our disposal: the raw material of ideas in a 21st century freed from the false constraints of the Malthusian mindset. The monumental is within us, we do not need the help of institutions to express it.

This ‘I’ of the co-author, at the cutting edge of art since the dawn of the internet and its ‘participative’ 2.0 version, also benefits from another rupture: that of the end of the unity of time, place and action. If ‘irregular’ theatre lost its crown in the 17th century to the classical form that would dominate right through until television 1.0, the digitalisation of the world offers a second chance to irregularity. We can finally step out of the time slots that have become life slots. The barriers are breaking down so that our lives can no longer be reduced to the slots and boxes that target us. In the era of transmedia 2.0 past, present and future offer a simultaneous choice of places and actions, allowing us the opportunity to live in a continuity which distances us from an acute form of schizophrenia: that of imposed roles in which we are only unhappy actors. Finally in control of our own lives, we are no longer called to play the roles of others, but our own, which allows us to reconcile ourselves to our environment, live with each other and create healthy connections. An ecology of behaviours is being created, with the end result of a possibility of greater transparency and openness with ourselves, rather than the creation of the transparent society that many criticize. In making our lives places of creativity, we leave the 20th century and its dehumanizing conformity to once again become what we should never have ceased to be: humans beings whose paradise is always the other.

Network video games were the precursors of this paradigm change. Television is now taking back the prerogatives of ubiquity, too quickly abandoned to offer a theatre of variety that imitates our complex world. After the collapse of the spectacular, engendered by the collapse of the twin towers, the longing for big stories that has driven the media since 9/11 has been inspired by conformity to a unity of time that can now be counted in weeks and no longer in hours. If television (helped by the web 2.0) offers this renewed world theatre, we can also mediatise the world theatre ourselves, giving it an interpretation that is not (only that) of the dominant media, but also our own. It hardly matters that, holding to the yardstick of the Mediamat, we cannot quite cross the confidence interval, quantitative success could only be the result of a misunderstanding. Long life the elective communities that bring us closer to those that were until then unknown to us, before the development of the social networks.

"The theatre of the world" is thus a reading of the story lived by its authors, both in the twists and turns of the web and those of analogue life. We hope through this experience of here and elsewhere to transport you through time and space with no other barrier than that of your own wishes. This is today’s poetry, which is not to exclude other forms, as we live in the era of the possible. The new paradigm transports us beyond the unities of time, place and action into a continuity that is that of own lives: the theatre of the world.

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There is a facebook page called "Nathalie et Alexandre Callay présentent le théâtre du monde" to follow the project.

Le théâtre du monde

2011-07-17T10:50:00.000-07:00

Où se trouve la poésie des gares, chère à Emile Zola, en ce début de 21ème siècle ? Sommes-nous les contemporains d'un nouveau paradigme post 11 septembre ? Deux questions essentielles pour comprendre les raisons de cette carte blanche, au-delà de la seule amitié qui nous lie à Lydie et dont nous la remercions chaleureusement.

Les lieux de la création artistique se sont ouverts sur la nouvelle terra incognita que représente le nouveau monde numérique. Nul ne peut aujourd'hui dire qu'il maîtrise les contours de cet univers en expansion permanente si ce n'est exponentielle. Des possibles quasi-infinis s'offrent aux artistes aventuriers de ces horizons multi-univers à la recherche de nouvelles esthétiques.

L'exposition « From Here On » tente de délimiter l'enjeu des explorations en cours et à venir avec comme porte drapeau un manifeste publié à l'occasion des Rencontres d'Arles 2011 :

« Maintenant, nous sommes une espèce d'éditeurs, tous nous recyclons, nous faisons des copier-coller, nous téléchargeons et nous remixons. Nous pouvons tout faire faire aux images.

Tout ce dont nous avons besoin, c'est d'un oeil, un cerveau, un appareil photo, un téléphone, un ordinateur, un scanner, un point de vue. Et lorsque nous n'éditons pas, nous créons. Nous créons plus que jamais, parce que nous ressources sont illimitées et les possibilités infinies. L'internet est plein d'inspirations, du profond, du beau, du dérangeant, du ridicule, du trivial, du vernaculaire et de l'intime.

Nos petits appareils de rien du tout, capturent la lumière la plus vive, comme l'obscurité la plus opaque. Ce potentiel technologique a des répercussions esthétiques. Il change l'idée que nous nous faisons de la création. Il en résulte des travaux qui ressemblent à des jeux, qui transforment l'ancien en nouveau, réévaluent le banal. Des travaux qui ont une histoire, mais qui s'inscrivent pleinement dans le présent. Nous voulons donner à ces travaux un nouveau statut. Car les choses sont différentes, à partir de maintenant...».

Ce manifeste, en phase avec l'époque, éclaire de manière limpide les enjeux de cette carte blanche. Les choses sont en effet différentes désormais. En fait depuis quelques années car nous pratiquons cet art qui dynamite les frontières factices de la révolution industrielle, depuis la naissance de la toile... L'intervention dans la galerie nomade, Saffir, est un autre exemple de cette pratique qui n'a pas attendu cet « outing » heureux pour se manifester.

Ces pratiques qui placent l'auteur/spectateur/conso(m)-acteur au centre d'un monde, le sien, celui qu'il se construit pour habiter le monde, le découvrir, le comprendre et vivre avec, placent chaque être qui le souhaite au centre d'un possible : celui de la co-création. Il n'y a plus d'impossibilités techniques ou financières empêchant l'esprit créatif de se réaliser. Nous disposons de ressources quasi infinies à portée de mains, matières premières des idées dans un 21ème siècle libéré de la ressource faussement contrainte par une pensée Malthusienne. Le monumental est en nous et pour s'exprimer n'a pas besoin des moyens de l'institution.

Le « Je » co-auteur, à la pointe de l'art depuis l'avènement du web et sa version « participative » 2.0 bénéficie d'une autre rupture : celle de la fin des trois unités de temps, de lieu et d'action. Si le théâtre de irréguliers avait perdu de sa superbe au 17ème siècle dominé par une forme classique qui s'imposa même à la télévision 1.0, la numérisation du monde offre une deuxième chance à la forme « variée ». Nous pouvons enfin nous extraire des tranches horaires devenues tranches de vie. Les barrières disparaissent pour que nos vies ne soient plus égales aux cases et boîtes dont nous sommes la cible. A l'ère du transmedia 2.0, passé, présent et futur se jouent simultanément des lieux et des actions pour nous offrir de vivre dans une continuité qui nous éloigne d'une forme aigüe de schizophrénie : celles de rôles imposés dont nous ne serions que les acteurs malheureux. Enfin maîtres de notre vie, nous ne sommes plus appelés à jouer le rôle des autres mais le nôtre pour nous réconcilier avec notre environnement, vivre avec et tisser des liens salutaires. Une écologie des comportements est à l'œuvre qui passe par plus de transparence vis à vis de soi alors qu'une société transparente n'est pas à l'oeuvre comme certains croient le dénoncer. En faisant de notre vie un terrain de créativité, nous quittons le 20ème siècle de la prolétarisation inhumaine pour redevenir ce que nous n'aurions jamais dû cesser d'être : des êtres humains dont le paradis est l'autre.

Les jeux videos en réseau étaient les précurseurs de ce changement paradigmatique. La télévision reprend aujourd'hui des prérogatives d'ubiquité abandonnée trop rapidement pour offrir un théâtre de la variété à l'image de notre monde, complexe. Après la chute du spectaculaire engendrée par la chute des tours, l'appétence pour les grands récits qui animent les médias depuis le 11 septembre, a pour moteur cette inscription dans la continuité d'un temps qui se compte en semaines et non plus seulement en heures. Si la télévision (aidée d'un Internet 2.0) offre ce théâtre du monde renouvelé, nous pouvons nous aussi médiatiser le théâtre du monde en offrant une lecture qui n'est plus (seulement) celle du média dominant mais la nôtre. Peu importe qu'à l'aune du Médiamat, nous ne franchissions pas le seuil de l'intervalle de confiance, le succès quantitatif ne peut être le fruit que d'un malentendu. Vive les communautés électives qui nous rapprochent de celles et ceux dont nous étions étrangers jusque là, jusqu'au développement des réseaux sociaux.

« Le théâtre du monde » est donc une lecture de l'Histoire vécue par ses auteurs dans les méandres d'un Internet en réseau et ceux de la vie analogique. Nous espérons à travers cette expérience de l'ici et de l'ailleurs vous transporter dans le temps et dans l'espace sans autre barrière que celle de l'envie. La poésie d'aujourd'hui est celle-ci sans exclure pour autant les autres puisque nous vivons l'époque des possibles. Le nouveau paradigme nous transporte au delà des seules unités de temps, de lieu et d'action dans une continuité qui est celle de nos vies : le théâtre du monde.

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Pour suivre l'avancement du projet, retrouvez nous sur notre page facebook "Nathalie et Alexandre Callay présentent le théatre du monde".

Le très bon film des héritiers de Claude Berri

2011-03-27T03:38:00.001-07:00

L'exposition qui devrait être inaugurée le 29 Juin prochain, au Centre Pompidou, d'un ensemble d'oeuvres d'artistes rarement ou peu présentés aura peut être lieu. Les héritiers de Claude Berri, ayant décidé d'arrêter le processus de dation engagé depuis juillet 2009 ouvre une opportunité unique pour de nombreuses propositions artistiques de voir enfin le (grand) jour.

Les sponsors, mécènes, la presse ainsi que la direction du centre ne s'y sont pas trompés : ce retournement de situation est une opportunité inespérée pour proposer autre chose que la seule célébration de la mémoire d'un collectionneur ou d'artistes-marques, que nous saluons par ailleurs. Les économies réalisées suite à la non nécessité de stocker, assurer à l'année et encore moins restaurer ces oeuvres non léguées pourront par ailleurs être investies dans des expositions-restrospectives à venir.

Ce changement de cap laisse enfin entrevoir la possibilité de financer avec des sommes conséquentes (les 30 à 50 millions d'euros que l'Etat collectera finalement en lieu et place de la dation) de nombreux projets qui, sans cette manne n'aurait pas pû voir le jour.

Cette situation est d'autant plus historique que le ministère de Frédéric Mitterrand continue de revoir à la baisse le budget des musées nationaux.

Merci à Claude, Darius et Thomas de cette contribution décisive qui participe au renouvellement de notre culture ! La poursuite du projet de dation aurait été une grave faute morale que l'étudiant en philosophie avec le soutien de son frère a su brillamment éviter.

Unstable

2010-10-14T23:28:00.002-07:00

On the occasion of cutlog, the collectors Nathalie and Alexandre Callay present the work of the young artist Nicolas Giraud.Unstable is an installation composed of forty monochrome Brillo boxes, a work which oscillates between photography, sculpture, and conceptual art. Created from a starting point of reflection on the image, the work of Nicholas Giraud functions as a critical machine. His artistic propositions are multi-layered, hiding ghosts, weaving stories and suggesting other works.

In 1964, for his second personal exhibition at the Stable Gallery in New York, Andy Warhol chose to fill the space with wooden boxes, which he printed and silkscreened with the packaging of products collected at the local supermarket. The exhibition was conceived like a food warehouse, with boxes in piles or simply left on the floor, just leaving enough space for the gallery’s visitors. Among these brands (Kellogs, Campbell, Heinz..) the Brillo boxes met with particular critical acclaim. The original design was the work of another artist, James Hervey, an expressionist painter who, like Warhol, occasionally accepted commissions from the food advertising industry. They provided the basis for Arthur Danto’s reflexions on the banal. Pontus Hulten exhibited them in Norway but, to save transport costs, he used actual Brillo packaging rather than the wooden boxes, which he would later reproduce, taking advantage of the similarity between the two objects.

The installation conceived by Nicolas Giraud is composed of fifty boxes, similar to Brillo boxes, but with the bright colours replaced by shades of grey.

As in the work of Simon Starling, the replica itself counts for less than the distance it creates. The act of reproduction takes the role of a photograph; it is not a work which is evoked but an exhibition from 1964, where the black and white images mark the historic distance. The black and white boxes owe as much to sculpture as to the images of Stephen Shore or Billy Name. What they reveal is less an instillation than the image of an instillation, and the link between the spectator and a work that is now half a century old, the perception of which is above all governed by the image.

We discovered Nicolas Giraud’s work on top of our piano two years ago; a white card with a few lines traced in pencil giving it the air of a library filing card. This work, which had snuck into our home surreptiticiously during the exhibition Wanted Duchamps organised by Pierre Granoux, already suggested the work to come by Nicolas on the displacement of the real, as a constituent of a work of art. It was subsequently with great happiness that we discovered the prototypes of these Brillo boxes at the beginning of 2010 in his Parisian studio.

The use of black and white is only an apparent step backwards. The change takes place before our eyes, and these three dimensional boxes, themselves interpreted from catalogue images, mark in their own way the evolution of our representations. We are happy to participate in the exhibition of these ‘copies’; copies that could be qualified as ‘same same but different’, in the image of an era whose problems, unlike those of the Renaissance, are not so far away from our own.

Nicolas Giraud was born in 1978. He was educated at the Ecole Nationale Supérieure of Photographie and at Fresnoy, a studio of contemporary art, where he developed a reflexion on the image as a critical tool. His work takes multiple forms, and has been presented notably at Lyon’s Musée d’Art Contemporain, the Casino Luxembourg and Fonds Régional d’Art Contemporain Languedoc Roussillon.

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We discovered Nicolas Giraud’s work on top of our piano two years ago; a white card with a few lines traced in pencil giving it the air of a library filing card. This work, which had snuck into our home surreptitiously during the exhibition Wanted Duchamps organised by Pierre Granoux, already suggested the work to come by Nicholas on the displacement of the real, as a constituent of a work of art. It was subsequently with great happiness that we discovered the prototypes of these Brillo boxes at the beginning of 2010 in his Parisian studio.

Nicolas thus revisits with ‘brio’ the classic art of the twentieth century, not only (selfishly) in order to learn the techniques of masters, but also to lay foundations between the recent past and a present which we ourselves are writing. Confronted by the only images available, sometimes in black and white, few contemporaries had the time or inclination to admire the visual developments from their Duchampian foundations, with colour replacing the monochrome of an increasingly distant age. In taking over an iconic object, the Brillo box, Nicolas reminds us, if this was needed, not only of the genius of an artist who was emblematic of his era, but also of his visionary ideas that have still not sufficiently infused all those with power and influence in the field of contemporary art.

We could not, therefore, mark our first appearance at a contemporary art fair without calling on these two artists, creating a bridge to link the art of the 20th century, as defined by Duchamp, and the new horizons of as yet unknown masterpieces.

The use of black and white is only an apparent step backwards, a happy setback, which should be interpreted as work of memory in homage to a recent past. The change takes place before our eyes, and these three dimensional boxes, themselves interpreted from catalogue images, mark in their own way the evolution of our representations.

We are happy to participate in the exhibition of these ‘copies’; copies that could be qualified as ‘same same but different’, in the image of an era whose problems, unlike those of the Renaissance, are not so far away from our own.

Nathalie & Alexandre Callay

Tu n'es pas seul !

2010-10-13T10:13:00.000-07:00

Ce que l'on doit à l'amitié n'est jamais assez souligné. D'une rencontre heureuse dans un avion avec Hans-Georg Wolf, ami d'un artiste-peintre Berlinois, au vernissage d'une exposition à Paris à laquelle participait un artiste français installé à Berlin, cette exposition est le fruit d'amitiés croisées : ces relations amicales nouées depuis 5 ans avec Rocco Hettwer et Pierre Granoux se matérialisent une nouvelle fois pour le plaisir de tous à travers des pièces présentées à Neuilly-sur-Seine.

Au-delà de l'amitié dont cette exposition témoigne, une histoire s'est construite en parallèle voire de manière entremêlée pour produire une oeuvre aux passerelles visibles et invisibles.

DU en est l'expression la plus évidente mais d'autres liens unissent ces deux artistes dont les dissemblances formelles se rejoignent sur le fond, fruit d'une intériorisation et d'une maturation qui coiffent les pompiers de notre époque sur le fil de la pertinence.

Avec mon épouse Nathalie, nous portons une attention particulière aux oeuvres mais encore plus aux hommes. Et Rocco et Pierre ont cette qualité d'écoute et de dialogue dont sont empruntes leurs oeuvres. Elles communiquent avec les idées, avec leur environnement ainsi qu'avec une ou plusieurs histoires dont nous sommes les acteurs mais aussi les héritiers. La question de la propriété intellectuelle, sur toutes les lèvres à l'ère du numérique, est ici traitée de manière intelligente : la copie, dont les limites sont rappelées malicieusement dans le texte signé par les deux artistes, lorsque le geste n'est pas intériorisé, peut être à l'origine de nouvelles voies exploratoires ou apporter des éclaircissements sur le sens d'une démarche. Ces fameux emprunts peuvent ainsi donner lieu à des oeuvres majeures puisque, depuis l'âge de fer, la technique du recuit simulé est utilisée pour atteindre des optimums dont les reculs apparents ne sont que les fondations. L'art bénéficie aussi de ces faux retours en-arrière qui permettent de dépasser des limites, non pas celles du spectaculaire omniprésent mais celles d'une démarche de l'esprit dont le corps n'est que l'exécuteur testamentaire. L'homme est ainsi au coeur des préoccupations de ces deux artistes sans compromission aucune avec les modes ou le bling-bling suffocant. Comme l'écrivait récemment un ami facebookien (Marc Molk) "le plagiaire nous libère de ce qui, dans notre oeuvre, ne nous appartient pas en propre. Il est l'oiseau nettoyant les dents du crocodile. Ce que le plagiaire ne peut plagier, c'est cela notre seule contribution véritable, notre noyau, qu'il met au jour". Rocco et Pierre contribuent ainsi au monde et à notre plaisir en construisant un univers unique, de sens et de formes en utilisant certes des techniques et un alphabet construits d'une humanité nourricière mais dont le fruit sont des oeuvres singulières.

La question n'est donc pas tant celle de l'emprunt mais de ce qui est en nous et ce qu'il nous aide à révéler et à approfondir. La peinture de Rocco Hettwer participe de cette exploration puisqu'elle permet de revisiter des terres jadis cognita pour les transcender et nous alerter d'un futur proche. Les oeuvres de Pierre Granoux, notamment DU, s'incrivent dans une lecture critique de son environnement ("artistique" ou élargi à d'autres cercles concentriques délimitant finalement même territoire).

Les oeuvres de ces deux amis évoluent avec les années et nous sommes fiers d'avoir vécu certaines de ces étapes à travers des discussions et expositions conçues ensemble. Notre compréhension du monde s'est aussi trouvée modifiée à leur contact et l'amitié qu'ils nous font d'être présents à travers ces textes, ces oeuvres ou physiquement en ce 16 octobre est un nouveau cadeau des plus exquis.

Nous sommes (très largement) en dû !

Nathalie & Alexandre Callay

O+ Festival

2010-10-08T11:34:00.001-07:00

As part of the exhibition ‘One nation… overrun’, there was one poster composed of four images: three French politicians (an ex-President, an ex-Prime Minister and an ex-Presidential candidate) with Bin Laden as the fourth protagonist. As I was in need of visuals to publicise the event, I took various details from different posters. The face of Bin Laden was one of these.

Once published on Facebook, I noticed how gentle his expression was in comparison with the other four. Kevin Paulsen contacted me shortly afterwards to find out if I would be interested in participating in the O+ Festival, and I thought of this image straight away.

The principal reasons for this are linked to the importance of the 09/11 attacks not only on a political but also on an artistic level (two fields which have been intimately linked for centuries). September 11th marked the end of the era of ‘everything is possible’ with the subsequent drive towards the ever more dramatic. Since Marcel Duchamp, artists have been rushing towards this goal of more is more, without the slightest understanding of the paradigm shift brought about by Duchamp. If he widened the field of art to include other forms than traditional painting, he was no apologist for ‘shock art’ for its own sake, but in fact quite the reverse. This paradigm having been misinterpreted, those contemporary artists making the headlines at auction have simply been engaged in a race to be the most spectacular and the most shocking. The collapse of the Twin Towers marked at a stroke the end of this pointless race. The live broadcasting of the attack on the second tower and the collapse of both towers constituted an unequalled performance, experienced in global vision. There can be no further to go in this genre. Another artistic path now needs to be found.

Other changes brought about by this terrorist attack were the taking account of the other, notably artists from the Middle East and North Africa, as well as the recognition that art does in fact have limits, contrary to the faux-Duchampian dogma: the barrier of the other has not been crossed, despite certain theorizations (see Esthétique relationnelle by Nicolas Bourriaud). As we were losing ourselves in attempting to cross new physical limits, a technological revolution equivalent to the industrial revolution of the 19thcentury was taking place before our eyes, bringing with it an inevitable artistic paradigm change. From the ‘everything is possible’, we have passed to a taking into account of otherness in an ‘irregular’ rather than classic form (in the sense of the ‘irregular’ early modern playwrights who ignored the Aristotelian unities of time, place an action). From this point, it has been about taking the other into account, not in a sporadic fashion as the occasion requires, but in a continuous, sincere and profound manner.

If television introduced the concept ATAWAD (Any Time Any Where Any Device) quickly, an artist was missing to mark this revolution. Alberto Sorbelli is this artist, whose work precedes the 09/11 attacks, but who has found all his meaning after them.

I could not, therefore, mark my first project in the United States without making reference to this paradigm shift.

(http://www.opositivefestival.org/)

Art Press : Alexandre Callay répond à l'article de Catherine Francblin concernant Francis Alÿs

2010-09-18T02:55:00.000-07:00

Chères Catherines et Cher Jacques,

J’ai lu avec une attention particulière l’article à propos de Francis Alÿs qualifie d’ « artiste majeur d’aujourd’hui » par Catherine Francblin. Les prises de position aussi tranchées sont suffisamment rares pour être saluées. Toutefois, l’article n’arrive pas à démontrer les raisons de cette assertion ce qui ne diminue en rien la singularité de cet artiste mais suffit à me faire prendre la plume comme je l'ai déjà fait récemment en réaction à un article de Fabrice Bousteau sur une thématique identique.

J'indiquais alors que l’artiste du 21^ème siècle qui souhaite se départir "du tout possible" du siècle précédent peut désormais s'exercer au sein d'un nouveau paradigme qui se fait fi des trois piliers du théâtre classique (l’unité de temps, de lieu et d’action) tout en dépassant une quatrième frontière jamais franchie malgré les dires nombreux et l'annonce d'une esthétique relationnelle il y a bientôt 10 ans : celle de l’autre.

Le 20^ème siècle artistique a en effet laissé croire que le primat du "tout (...) possible en termes de création" (Emmanuelle Lequeux) était acquis. L'effondrement des tours du World Trade Center le 11 septembre 2001, eut au moins un mérite : celui de mettre le holà à la course effrénée que se livraient les artistes dans la quête d'une oeuvre toujours plus spectaculaire. La réalité venait de dépasser le champ de leur imagination et rendre vaine cette course absurde.

L’art était aussi devenu la vie avec Robert Filiou. Mais le rejet manu militari, hors les murs du musée, d’un travesti posant devant la Joconde (Tentative de rapport avec un chef d'oeuvre, Alberto Sorbelli) pour enfin opérer la jonction entre la vie au présent et l’œuvre célébrée, nous rappelait que seule la vie imaginaire, sous contrôle, avait place dans les lieux de monstration artistique et que cette frontière du réel n’avait pas encore été franchie malgré toutes les incantations en ce sens. Cette exclusion est d'autant plus symptomatique des limites du champ artistique que depuis Erasme nul n'est censé ignorer que "le travesti est partout" et qu'"il n'en va pas autrement de la comédie humaine".

L’art au 20^ème siècle n’a donc pas dépassé les limites du théâtre classique et les oeuvres de Tino Sehgal ou de Francis Alÿs considérées à tort comme d'avant-garde, continuent de se jouer dans un espace-temps défini nous empêchant d'entrer dans le 21ème siècle artistique. Ce retard est d'autant plus flagrant que la télévision, elle, a su changer de paradigme pour se retrouver en avance d'une révolution sur le monde de l'art qui, lui, continue à célébrer des formes anciennes. Le concept ATAWAD (Any Time, Any Where, Any Device) est ainsi décliné depuis plusieurs années dans le domaine de la production audiovisuelle avec des propositions de plus en plus abouties sans égal chez les artistes (ou presque)...

Ces artistes considérés comme majeurs ne dépassent en fait jamais les contraintes du lieu, de l'espace, de l'action et de l'humain. Et Francis Alÿs n’échappe pas à cette règle puisque ses actions, bien que répétitives, restent discontinues, limitées dans le temps et non concommittantes. L’autre n'existe aussi que pour être instrumentalisé dans la réalisation d'un acte physique selon un schème déterminé à l’avance qui n’échappe pas à une finalité.

Lorsque j’ai décidé de vous écrire, je souhaitais reprendre point par point tous les énoncés de Catherine Francblin qui me paraissaient discutables. Mais devant leur multitude, j’ai préféré réduire ce courriel à l’essentiel : Francis Alÿs est certes un artiste singulier mais en aucun cas majeur. Un artiste majeur doit, soit investir de nouveaux champs au sein d’un paradigme défini, soit en créer un nouveau. Les performances qu’il orchestre sont dans la lignée de celles des artistes du 20^ème siècle et il n’est pas à l’origine d’un nouveau paradigme.

Nous avons par contre la chance d’être des contemporains d’un artiste qui a défini depuis presque 20 ans les contours d’un nouveau paradigme sous différents masques (le secretaire, la pute, l'agressé et... le fol) : Alberto Sorbelli. Ses actions prouvent qu’il est aujourd’hui possible de dépasser les limites du théâtre antique tout en s’attachant à franchir l’ultime frontière que l'être humain représente, dans la durée, des lieux multiples et des actions variées. Il est un artiste pour artiste qui ouvre de nouvelles voies sur un continent qu'il a découvert. Aux autres artistes d'établir une cartographie complète des possibles tout en ayant à l'esprit que ses actions sont déjà des classiques ("Tentative de rapport avec un chef d'oeuvre" citée précédemment, "Tentative de rapport avec la société", "En même temps, jeux des médias avec la société", "Esthétique de la prostitution", "Esthétique de la spéculation", "Tragedia con intervallo", "Just from Cynthia", "Chanson d'Amour",...).

Le point essentiel avec Alberto Sorbelli est sa capacité à faire tomber les masques chez ses contemporains pour les révéler à eux-mêmes à travers des invitations à vivre leur vie et non celle d'un artiste égomaniaque. Si une photo, un écrit, une parole survivent, ce ne sont que des artefacts, marqueurs d'une action plus profonde dans le coeur des hommes et des femmes qui croisent son chemin. Un ami facebookien indiquait récemment qu'Alberto Sorbelli est "l'incarnation de sa mauvaise conscience" et que ça le soulageait. Il n'y a pas de meilleur définition de son action dans une époque qui se veut désinhibée mais qui ne l'est pas ! Il est ainsi le fou qu'Erasme célébrait dans son "Eloge de la folie", "franc et véridique", celui qui "est en prise sur le réel et ses dangers" et qui est sans crainte face au pouvoir.

Si Marc-Olivier Wahler a pour ambition de montrer ce qu'il y a entre les oeuvres, Alberto Sorbelli, lui, réalise ce souhait avec une continuité d'actions qui permet tout à chacun d'expérimenter son art et de se révéler en se confrontant au radiologue Sorbelli. Chanson d'Amour est certes une suite de dates (24 avril 2010, 27 avril, 25 juin, 12 septembre, 24 septembre, 23 octobre2010,...) mais elle se joue d'abord au quotidien sur http://www.facebook.com/#!/profile.php?id=100000338697700&ref=ts, chez l'artiste rue Grenetta, à Mysore ou Rome et à travers toutes celles et ceux qui sont Chanson d'Amour au quotidien. Le continuum d'actions en de multiples lieux est donc l'essence de son intervention dans le réel, ce que l'on ne retrouve pas chez Francis Alÿs qui semble plus opportuniste dans sa démarche puisqu'il rejoue "avec une intention et dans un contexte différent, une action similaire". Le seul continuum serait celui de sa personne alors que chez Alberto Sorbelli, le seul continuum est l'autre avec ses faiblesses et ses grandeurs, ses peurs et son courage. Il ne s'agit pas pour lui de se révéler en héros illusoire (nul besoin pour lui de traverser une tornade, celle des hommes lui suffit) mais de nous révéler à nous-même et de nous faire prendre position de manière absolue sur des questions essentielles que sont le bien et le mal : on ne devient pas gardien de camp par hasard et ses provocations (lorsqu'on ne le censure pas) n'ont pas d'autres finalités que de nous éveiller à nos propres limites. Chanson d'Amour n'est pas non plus le souvenir d'une action du passé mais un présent qui se construit au grès des affinités électives d'une société en réseau. A l'image d'un facebook non hiérarchisé, où chaque membre, n'est qu'une maille de la toile, y compris Alberto Sorbelli, nous construisons cette oeuvre ensemble, qui à la différence d'une performance de Francis Alÿs, n'est jamais finie ou qui ne se résume pas seulement à un souvenir, mais un work in progress collectif vécu au quotidien.

Je suis bien entendu à votre disposition pour expliquer plus en détails le contenu et les contours de ce nouveau paradigme et le rôle majeur que tient Alberto dans cette histoire et vous remercie d'avance d'avoir la gentillesse de publier ce courrier d'un lecteur assidu.

Dans cette attente,

Bien à vous,

Alexandre

ps : publié à l'adresse suivante http://www.artpress.com/Nos-lecteurs-reagissent,8939.media

One Nation...Overrun

2010-07-14T03:51:00.000-07:00

This exhibition of posters taken from walls from far and wide takes its place in an initiative of indexing themes which at first sight resemble an eclectic inventory "à la Prévert" but which, once put into context, offer a history, a vision of our time.

As archeologists of the present, in the style of Yvette Neliaz, we call for an understanding of the world in which these fragments of reality act as exploratory tools.

"One nation .... overrun" testifies to the end of an era, as much economical as political as artistic. A superficial analysis might lead one to believe that this would only concern those "horrid Americans" but the pieces collected here contradict that simplistic reading and show that it is not only the "Empire" which is challenged but also many other fundamentals in Europe and elsewhere, including the famous artistic paradigm of the Twentieth Century "The all....... possible in terms of creation." (Emmanuelle Lequeux)

Nathalie and Alexandre Callay, guests of Dominique and Michel Buono, will be happy to welcome you to discuss the importance of these topics, markers of a revolution which is taking place before our eyes.

***

Cette exposition d'affiches décollées des murs de France et de Navarre, d'ici et d'ailleurs, s'inscrit dans une démarche de recensement de thématiques qui à première vue relèvent d'un inventaire à la Prévert mais qui, contextualisées, permettent d'écrire une histoire, une vision de notre époque. Archéologues du présent, comme peut l'être Yvette Neliaz, nous revendiquons une compréhension du monde dont ces fragments du réel sont un outil exploratoire.

"One nation...overrun" (une nation dépassée) témoigne ainsi de la fin d'un cycle tant sur le plan économique, politique qu'artistique. Une analyse triviale pourrait laisser croire que cela ne concernerait que ces "affreux américains" mais les pièces rassemblées contre-disent cette lecture simpliste et montrent que non seulement l"Empire" est challengé mais aussi de nombreux autres fondamentaux en Europe et ailleurs, dont le fameux paradigme artistique du 20ème siècle : "Le tout (...) possible en termes de création" (Emmanuelle Lequeux).

Nathalie et Alexandre Callay, amicalement reçus par Dominique et Michel Buono, vous accueilleront pour discuter de l'importance des thèmes à l'affiche, marqueurs d'une révolution qui s'opère sous nos yeux.

Vernissage le vendredi 10 septembre à 18 heures

Ouvert le samedi 11 septembre

APACC - 19 rue Carnot, Montreuil

L'artiste (majeur) du 21ème siècle

2010-06-28T12:58:00.000-07:00

Cher Fabrice,

J'ai lu avec attention votre article au sujet de l'intervention de Tino Sehgal dans l'espace du Guggenheim.
Nous y étions aussi sans connaître l'artiste ni son propos. Malgré cette ignorance, le couple s'enlaçant au centre de l'espace était dans une posture facilement compréhensible alors que la prise en main par les enfants un peu abrupte mais dépaysante ne laissait aucun doute sur le corpus artistique de cette présence.

Je vous écris car je ne suis pas en accord avec la conclusion de votre article :
"Il est à mon sens l'un des artistes majeurs de ce début de XXIème siècle et j'attends déjà avec impatience sa prochaine exposition pour goûter au plaisir d'être l'un des matériaux éphémères de ce génial sculpteur d'un nouveau type".

Si l'on doit inscrire la démarche de cet artiste dans une époque, il me semble que le XXème siècle serait plus adéquat car elle se limite à une intervention conforme aux règles du théâtre antique (unité de temps, de lieu et d'action) sans les dépasser.

L'artiste du XXIème siècle devrait pouvoir aller au-délà de ces limites pour explorer des espaces restés vierges.

Il devrait pouvoir sortir de la limite temporelle qu'impose le temps d'une exposition ou d'une intervention. Il devrait s'affranchir d'un lieu physique particulier certes possible mais pas seulement. Il devrait enfin pouvoir mener plusieurs actions en même temps.

Notre époque le permet. Nous sommes à l'orée de cette renaissance. Un artiste majeur devrait pouvoir se rendre maître de cet espace infini et Tino Sehgal n'est pas celui-là.

Nous avons la chance d'avoir parmi nous, après un exil de quelques années, Alberto Sorbelli, qui pratique avec maestria les termes de ce nouveau paradigme.

Depuis moins d'une semaine, il est intervenu deux fois dans l'espace public sans pour autant que ce retour physique soit le commencement de cette phase de son oeuvre, puisqu'elle les précède dans un continuum qui se fait fi des frontières artificielles. Elle se construit au fil de l'eau avec l'humain au coeur de sa démarche, un espace non contraint mais dont il est le maître et non l'esclave, un temps non subi mais dont il se joue.

Je serai heureux de vous expliquer plus en détails les raisons qui font d'Alberto l'artiste majeur de ce début de XXIème siècle que ces seules lignes ne pourraient expliquer justement.

Bien à vous,

Alexandre

Pascal Lièvre - Made in France

2009-09-02T23:05:00.001-07:00

Hans Georg Koehler's performance: a must see!

2009-05-30T15:59:00.000-07:00

What we did last winter!

2009-05-13T13:26:00.000-07:00

For a full version, please visit http://www.thecroute.com/revues/re_vue19.pdf!

Wanted Duchamps!

2009-02-21T22:57:00.000-08:00

Notre ami Pierre Granoux organise une série d'événements autour de la célébration du 40ème anniversaire de la mort de Marcel Duchamps sous le titre WANTED DUCHAMPS.

Ce programme "rassemble des artistes et des pièces qui remettent en question les réponses-clé de l’héritage de Duchamp (...). Ces artistes posent la question de l’art de vivre de Duchamp en tant que clé de lecture de l’art d’aujourd’hui. Pourquoi Duchamp est-il wanted ? Et quelle est la récompense ? Y a-t-il des mots clé pour ouvrir les mots– et installations-valise ? Comment vivre avec ce qui reste à la fin ?

A voir absolument en France et en Allemange au grè des expositions !

Dining with...la video de la soirée du 26 février !

2009-02-02T14:26:00.000-08:00

2008-09-01T13:30:00.000-07:00

Same Same but Different!

2008-05-12T11:41:00.000-07:00

A l'invitation de la "Heart Galerie", nous avons organisé une exposition "Same Same But Different" entre le 31 mai et le 5 août 2008 où étaient présentés en deux temps des artistes qui expliquent le début de notre parcours de collectionneurs.

Trois thèmes sont abordés :

- de l'origine de nos goûts,
- de la consommation,
- de la guerre.

Quatre artistes et leurs travaux sont présentés en juin autour de ces thèmes :
- Pierre Granoux,
- Falko Hettwer,
- Hans Georg Koehler,
- Jean-François Le Scour.

D'autres complètent cette sélection en Juillet :

- Myriam Baudin,

- Shen Jingdong,

- Thoma Ryse.

Alors que l’expo de juin a été l’occasion de préciser les origines de nos goûts (collectionneurs globetrotteurs...), l’accrochage modifié de juillet, témoigne plus directement de nos goûts du moment, centrés sur la peinture. Ce medium est loin d’avoir tout dit car il est paradoxalement encore aujourd'hui, le lieu de tous les possibles. Il permet de réinventer le monde, son propre monde avec juste un pinceau, un crayon ou tout simplement le geste de la main. C’est probablement le dernier espace de liberté totale comme aiment à le rappeler des artistes dont certains sont très jeunes.

***

Whereas the June exhibition gave us the opportunity to discover the influences driving our globetrotting collectors, July's modified presentation reveals in a more direct manner their current predilections, focused on painting. This medium is far from having breathed its last , as it is still today, paradoxically, the place where everything remains possible. It reinvents the world, a world of its own, with just a brush, a pen or simply the movement of a hand. It is probably the last remaining place of total liberty, as artists, some of them still very young, like to point out.